Sylvain Ristori aka Sambre
Sylvain Ristori aka Sambre is an artist to keep a firm eye on. With a background in carpentry, an influence from his upbringing in the French countryside where he was exposed to wooden materials from an early age, he was equipped with the knowledge and creativity to pursue woodcrafts. While in school he studied art, and explored the world of graffiti, and it was his study at the École Boulle School in Paris, where he developed his skills in (carpentry) sculpture.
Fast-forward a few years, Sambre became part of (street art) graffiti crew 1984, named after the dystopian book from George Orwell. Although he had a preference for working with wood, he did not shun other materials. It was with this crew where he created the famed Le Musée Imaginaire, which saw an abandoned building re-created into one-day museum, seeing graffiti, installation, photography and more fill the space.
Recently, Sambre has been focusing on expressing his own style – more of his new work has returned to working with wood – seeing pop-up sculptures grace a variety space. At Le MUR XIII, a public street art space in Paris, Sambre constructed a three-dimensional sculpture protruding from the wall. A magnificent structure shows a face breaking free, into the world.
We spoke to Sambre about his process, expression, the environments he works in and why he thinks the term ‘street art’ is a burden.
fluoro. Tell us a bit about your artistic process for sculptures and installations?
Parlez nous du processus artistique que vous utilisez pour vos installations
Sambre. I create my sculptures in a given context. Everything which characterises the space and every condition gives direction to my work: the specific place, the duration of work, the climate, the season, the social environment, people who work on the project, the material.
I am a facilitator. I give a force and a latent energy to all the parameters. That’s why I like pop-up work, everything is new and it needs to be created here and now, highlighting the moment.
Je crée mes sculptures dans un contexte donné. Tout ce qui caractérise le lieu, toutes les conditions vont donner une direction à mon travail: le lieu spécifique, la durée d’intervention, le climat, la saison, le milieu social, la main d’oeuvre, les matériaux.
Je suis un facilitateur, je donne une forme à une énergie latente compte tenu de tous les paramètres. C’est pour cette raison que j’aime faire un travail contextuel, tout est nouveau, il faut faire ici et maintenant, souligner l’instant.
f. How does it differ from/compare to the process of your graffiti art?
Quelle est la difference avec le procédé que vous utilisez pour vos graffs?
S. My painting techniques are akin to this site-specific (pop-up) principal: to make the most of the distinct features of a space and give it a particular direction depending on the context.
The difference is in the intensity. Painting for me is really powerful, there is a really intense physical dimension to it, it’s a dance. With installations and sculptural work, it’s more of a process over time, which involves a really introspective dimension; you need more to juggle reflexion and spontaneity.
Ma manière de peindre s’apparentait à ce principe contextuel: exploiter les particularités d’un lieu, et donner une direction particulière en fonction du contexte.
La différence est dans l’intensité. La peinture est un élan fulgurant, il y a pour moi une dimension corporelle très intense, c’est une danse. Avec les installations et le travail sculptural, c’est un processus plus temporel, ce qui donne une dimension introspective profonde, il y a plus d’allers-retours entre réflexion et spontanéité.
f. Do you see yourself merging these into one unique style in the future? How?
Dans l’avenir, vous voyez-vous fusioner ces techniques dans un seul et unique style? Comment?
S. Since I started my installation work, I barely paint. I had to make a choice. It’s a question of time and energy.
Graffiti is part of my story, it gave me so much, and today I am turning to other things, but I still use paint in some installations to intensify contrasts or to highlight some effects. I don’t ban the use of paint, but it’s simply no longer as relevant.
Depuis que je réalise des installations je ne peins presque plus, il y avait pour moi un choix à faire, c’est une question de temps, et d’énergie.
Le graffiti fait partie de mon histoire, il m’a beaucoup nourri, et aujourd’hui je me tourne vers d’autres choses. Par contre j’utilise la peinture dans certaines installations pour accentuer des contrastes, ou souligner un effet. Je ne bannis pas la peinture pour autant, ce n’est simplement pas d’actualité.
f. How has your rural background influenced your art?
Comment votre passé plutôt rural influence-t-il votre art?
S. The fact that I grew up surrounded by nature, amongst the forest, and doing farm work on my family’s land helped me understand the cycle of life, which is one of the main ideas in my work. The physical dimension, the link between the body and the effort are things that I was able to experience growing up, which are still essential to me now.
Le fait d’avoir grandi entouré par la nature, au contact de la foret, et me livrant à un travail agricole soutenu sur l’exploitation familiale m’a permis de bien prendre conscience de la notion de cycles, qui est une idée centrale dans mon travail. De plus la dimension physique, le lien au corps et à l’effort sont des choses que j’ai pu éprouver en grandissant, et qui me sont essentielles encore aujourd’hui.
f. In what ways is your art evolving as you spend more time in urban environments?
De quel façon votre art évolue-t-il, compte tenu du fait que vous passez la plupart de votre temps en milieu urbain?
S. The urban context is a really strong inspiration for my work, because of the contextual reflexion that defines my topic. The industry, the relation between man and his social environment, architecture, material, mass consumption, and the cycle of life of materials are the first ingredients in the creation of my work.
Le contexte urbain nourrit bien évidemment mon travail d’une manière forte, du fait de la réflexion contextuelle qui définit mon propos. L’industrie, la relation entre l’homme et son environnement social, architectural, matériel, la consommation de masse et les cycles de vie de la matière sont les ingrédients premiers de ma cuisine en volume.
f. Working in urban environments that are rich in their own materials (e.g. concrete, metal), why do you use wood for your sculptures and installations?
Pourquoi utilisez-vous le bois pour vos installations, sachant que vous travaillez dans un environnement urbain riche de ses propres materiaux (beton, métal)?
S. Even if the wood is of natural origin, it’s also the most present material around us, and the easiest to collect. I have a particular love for this living material, that come from my younger years spent in the rural environment an that I have developed while working in carpentry then when I received a diploma in sculpture at the École Boulle school in Paris.
Wood has a great capacity to adapt, a good mechanical resistance. It’s quick to work with, and can fill up a space efficiently.
I’m not opposed to using other materials – they all represent a potential interest to me. For the ‘Catalyseur’ exhibition released for the opening of the Galerie Jérôme Pauchant in September 2015 in Paris, I chose to work only with materials from an ancient clothes shop: wood and related material, metal, stone, electric cable, paper, glass…
Meme si le bois est d’origine naturelle, c’est aussi le matériau le plus présent autour de nous spontanément, et le plus facile à récupérer. J’ai une affection particulière pour ce matériau vivant, que je garde de mes jeunes années en milieu rural, et que j’ai développé en travaillant en menuiserie, puis lors d’un diplôme en Sculpture sur Bois à l’école Boulle à Paris.
Il a une grande capacité d’adaptation, une bonne résistance mécanique, il peut se travailler rapidement, et permet d’envahir l’espace efficacement.
Mais je ne reste pas fermé aux autres matériaux, tous présentent un potentiel intérêt à mes yeux. Pour l’exposition « Catalyseur » réalisée lors de l’ouverture de la Galerie Jérôme Pauchant en septembre 2015 à Paris, j’ai fait le choix de travailler uniquement les matériaux présents dans ce qui était un ancien magasin de vêtements: bois et dérivés, métal, pierre, plâtre, câble électrique, papier, verre…
f. How do you select the locations for your projects?
Comment choisissez-vous les lieux pour vos projets?
S. Most of the time the locations of my installations are suggested to me.
I nourish the [location] constraints, and find a specific response to the location instead, like a unique conclusion that is adapted to the context.
Les lieux pour mes installations se trouvent être dans la plupart des cas des propositions qui me sont faites.
Je me nourris alors des contraintes, pour aller vers une réponse spécifique au lieu, comme une concrétisation unique de ma démarche adaptée à un contexte.
f. You have previously expressed that the term ‘Street Art’ has become a burden. How so? And what would you prefer to term your art?
Vous nous avez déjà confié que le terme ‘Street Art’ était limitant. Comment? Et comment préfèrez vous qualifier votre art?
S. Graffiti was born in the street, but now has spread to all possible surfaces. My pieces are located in hidden places, where very few people will see it and in my eyes the practice of graffiti is not street art. It’s an idea, a way of life. Street art would be more like an accumulation of technique to be visible in the street. What I’m doing today isn’t only taking place in the street, as it feeds various influences. I prefer to speak about site-specific (pop-up) art or contemporary art, which means the art of today, without sticking to a specific movement.
Le graffiti est né dans la rue, mais il s’est étendu à tous les supports possibles. Ma pratique du Graffiti se situait plus dans des lieux cachés, où peu de gens les verront. Ainsi à mes yeux cette pratique du graffiti n’est pas du street-art. Pour moi le graffiti est une idéologie, un mode de vie, le street-art serait plus une accumulation de techniques visibles dans la rue. Ce que je fais aujourd’hui ne se passe pas uniquement dans la rue, et se nourrit d’influences diverses. Je préférerai donc parler d’art contextuel, ou d’art contemporain, ce qui signifie l’art aujourd’hui, sans se cantonner à un courant.
f. What does your art communicate?
Que communiquez-vous via votre art?
S. My creations are about the material cycle, the life cycle, the finishing and the renewing. They express the human, his life choice, his behaviour, his limits. My work opens communication and allows people to connect with one another and to belong.
Ma création parle des cycles de la matière, de cycles de vie, de la finitude et du renouveau. Elle parle de la place de l’Humain, ses choix de vie, son comportement, ses limites. C’est une ouverture à la communication, pour se connecter les uns aux autres et faire ressentir notre appartenance à l’ensemble supérieur.
f. What’s in store for the future?
Quels sont vos projets à venir?
S. I’m currently experimenting with materials and focusing on the material cycle in relation to architecture.
I’m also going to create a new piece in the school of business HEC Paris. Each year for the last three years I’ve been creating different projects for them, transforming the initial object by accumulating and exceeding the initial constraints…They are my projects for now!
Je travaille actuellement sur des expérimentations sur la matière et un approfondissement de la réflexion sur le cycle des matériaux en lien avec l’architecture.
Je vais aussi faire une nouvelle intervention à l’école de commerce HEC Paris, pour laquelle je fais évoluer une construction chaque année depuis 3 ans maintenant, transformant la forme initiale, accumulant et dépassant les contraintes de départ… Voilà mes projets du moment!
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Sambre’s art expresses the cycle of life and in each of his pieces we see that expression from the materials used to the final piece. His work takes viewers on a journey through a unique sequence and a concept that focuses on a connection through a means of artistic expression.
“My creations are about the material cycle, the life cycle, the finishing and the renewing. They express the human, his life choice, his behaviour, his limits. My work opens communication and allows people to connect with one another and belong.” – Sambre
Stay tuned to fluoro for more from Sambre.
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